Über die Musen

Die neun göttlichen Töchter von Zeus und Mnemosyne, die entschieden, welche Künste der Inspiration würdig waren und welche nicht

In der griechischen Mythologie besaßen neun göttliche Schwestern die Macht, Sterblichen schöpferische Inspiration zu schenken. Diese Musen, Töchter des Zeus und der Mnemosyne (der Erinnerung), waren jeweils für bestimmte künstlerische und geistige Bereiche zuständig:

Kalliope waltete über das Epos und die Beredsamkeit, Klio bewahrte die Geschichte, Erato beseelte die Liebesdichtung, Euterpe segnete Musik und Gesang, Melpomene stand der Tragödie vor, Polyhymnia führte die heilige Dichtung und die Hymnen, Terpsichore leitete den Tanz und den Chorgesang, Thalia brachte die Komödie hervor, und Urania erleuchtete die Astronomie und das Wissen vom Himmel.

Fällt dir auf, was fehlt? Keine einzige Muse beanspruchte die Malerei, die Bildhauerei oder irgendeine bildende Kunst.

Dieses Fehlen war kein Zufall. Es spiegelte eine grundlegende Trennung darin wider, wie die Griechen das Schöpferische selbst verstanden.

Wenn wir heute eine Skulptur von Michelangelo oder ein Gemälde von Leonardo bewundern, sehen wir das Werk eines „Meisters“. Doch über Jahrhunderte wären diese Schaffenden zusammen mit Schmieden und Tischlern als bloße Handwerker eingeordnet worden. Diese Unterscheidung, verwurzelt im antiken griechischen Verständnis der Musen, schuf eine kulturelle Kluft, deren Überwindung mehr als ein Jahrtausend dauerte.

In der klassischen Antike war das Schöpferische in zwei deutlich getrennte Bereiche geteilt. Die Griechen glaubten, dass bestimmte Künste, die Dichtung, die Musik, der Tanz und die gelehrten Beschäftigungen, der göttlichen Inspiration durch die neun Musen bedurften. Diese galten als edle Künste, weil sie Geist und Seele ansprachen und die Sterblichen durch Rhythmus, Harmonie und kosmische Wahrheit mit den Göttern verbanden.

Bildende Künste wie Malerei und Bildhauerei hingegen wurden als technē eingeordnet, als geschickte Handwerke, die körperliche Arbeit und technisches Können verlangten. So sehr man sie für ihre Schwierigkeit und Schönheit auch achtete, galten diese Beschäftigungen doch als grundsätzlich verschieden von den „inspirierten“ Künsten. Ein Bildhauer arbeitete mit seinen Händen und seinem Werkzeug, ein Dichter kanalisierte göttliche Weisheit.

Das war keine bloß akademische Einteilung. Sie hatte tiefgreifende gesellschaftliche Folgen. Dichter und Musiker wurden als geehrte Gäste an die Höfe des Adels geladen. Bildende Künstler, wie begabt auch immer, wurden oft den übrigen geschickten Handwerkern zugerechnet und entsprechend entlohnt.

Die Wende begann in der Renaissance, als Künstler wie Leonardo da Vinci sich bewusst als Denker statt als Handwerker in Stellung brachten. Leonardo füllte seine Notizbücher mit wissenschaftlichen Beobachtungen, mathematischen Theorien und philosophischen Betrachtungen und bewies damit, dass bildende Künstler Denkende waren, nicht bloß geschickte Hände.

Michelangelo verbat es sich bekanntlich, als bloßer Bildhauer bezeichnet zu werden, und beharrte darauf, ein Künstler-Philosoph zu sein, der die im Marmor gefangene göttliche Schönheit enthüllte. Diese Meister der Renaissance schufen nicht nur Kunst. Sie schrieben Traktate, studierten die Anatomie und tauschten sich mit humanistischen Gelehrten aus und hoben so Schritt für Schritt ihren gesellschaftlichen Rang.

Die Gründung der Kunstakademien im 16. und 17. Jahrhundert machte diese Wandlung verbindlich. Diese Einrichtungen lehrten nicht nur die Technik, sondern auch Dichtung, Mythologie und Philosophie. Die Studierenden lernten die „freien Künste“ neben Malerei und Bildhauerei und überbrückten so endlich die alte Kluft zwischen den inspirierten und den handwerklichen Künsten.

Die Akademien schufen sogar innerhalb der bildenden Kunst eine Rangordnung: Die Historienmalerei (die edle, sittliche Gegenstände darstellte) galt als die höchste, während Stillleben und Bildnis tiefer eingestuft wurden. Darin spiegelte sich das fortwährende Ringen darum, zu beweisen, dass bildende Kunst tiefe Gedanken vermitteln kann und nicht nur technisches Können zeigt.

Auch die heutige Kunstwelt ringt noch mit diesen alten Unterscheidungen. Wir sehen es in den Debatten darüber, ob digitale Kunst, handwerklich geprägte Praktiken oder kommerzielles Design als „freie Kunst“ gelten. Das Ringen um Anerkennung geht weiter, mit jedem neuen Medium und jedem neuen Zugang, der seine Berechtigung als Träger ernsthaften künstlerischen Ausdrucks beweisen will.

Diese Geschichte zu verstehen zeigt, warum die Fragen nach künstlerischer Berechtigung so tief in unserer Kultur sitzen. Die Trennung der alten Griechen zwischen göttlicher Inspiration und geschicktem Handwerk schuf Rangordnungen, die die abendländische Zivilisation über Jahrtausende geprägt haben, Rangordnungen, die wir noch immer zu verstehen und mitunter abzubauen versuchen.

Wenn wir das nächste Mal ein Museum besuchen, sollten wir uns erinnern: Jedes Kunstwerk steht nicht nur für eine schöpferische Vision, sondern auch für einen langen Kampf um die Anerkennung der bildenden Kunst als würdig der geistigen Achtung.